Date: 02/02/2013

Événement: XXe siècle. Art et vie en Italie entre les deux guerres
Forlì | Forlì-Cesena
Lieu: Musées de San Domenico

Site officiel: http://www.mostranovecento.it

Après avoir consacré une grande exposition à un protagoniste des années vingt du XXe siècle comme Wildt, Forlì entend approfondir un autre moment de la culture figurative du siècle dernier, en relation avec le climat d’une époque qui a laissé une empreinte forte, notamment du point de vue urbain. et architecturale, sur la ville de Forlì et sur de nombreux autres centres de la Romagne.

Dans la première période d’après-guerre, à partir de laquelle l’exposition commence à avancer vers l’épilogue tragique de la Seconde Guerre mondiale et du fatidique 1943, la culture italienne, à travers ses meilleurs représentants, s’est sentie investie de la mission de créer de nouvelles expressions artistiques pour le XXe siècle, siècle qui ne s’était pas encore révélé.

L’interprète le plus lucide de cette mission fut le savant Massimo Bontempelli qui, en 1926, donnant vie à la revue «900» déclara: «Le XXe siècle a mis longtemps à cocher. Le XIXe siècle ne peut se terminer qu’en 1914. Le XXe siècle ne commence que peu après la guerre “. La nouvelle exposition des musées de San Domenico entend évoquer un climat qui a vu non seulement des architectes, peintres et sculpteurs, mais aussi des designers, des graphistes, des annonceurs, des ébénistes, des orfèvres, des créateurs de mode s’essayer à un grand projet commun qui a répondu, par une profonde révision du rôle de l’artiste, aux instances du soi-disant «retour à l’ordre».

Le rappel à l’ordre, déjà manifesté pendant les années de guerre, est né de la crise des avant-gardes historiques, en particulier du cubisme et du futurisme, considéré comme la dernière expression d’un processus de dissolution de l’idéal classique qui avait commencé avec le romantisme. et il a été accentué par l’impressionnisme et les mouvements tels que le divisionnisme et le symbolisme qui l’ont suivi.

Il est né non pas comme un simple retour dans le passé, mais comme une reprise des seuls canons jugés aptes à la réalisation d’une pensée et d’une volonté artistiques. «Une géométrie solide des objets, un nouveau classicisme des formes», pour Carlo Carrà, tandis que De Chirico conclut son essai programmatique sur le retour de la figure humaine en s’exclamant: «Pictor classicus sum».

Le modèle d’une harmonie retrouvée entre tradition et modernité, soutenu par ces artistes – dont Felice Casorati, Achille Funi, Mario Sironi, Carlo Carrà, Adolfo Wildt et Arturo Martini – aura, également grâce à l’esprit critique et organisationnel de Margherita Sarfatti, le soutien du régime en quête de définition de l’état de l’art, comme le montre le long débat différencié dans les magazines.

Les régimes dictatoriaux européens ne manqueront pas d’utiliser le langage classique des artistes et, dans de nombreux cas, leur propre complicité à des fins de propagande et de consensus. Mais la hauteur de leur art ne peut être négligée ou aplatie pour des raisons idéologiques.

L’exposition rappelle les principales occasions où les artistes se sont prêtés pour célébrer l’idéologie et les mythes proposés par le fascisme, il suffit de penser à l’architecture publique, à la peinture murale et à la sculpture monumentale. La I (1926) et la II (1929) Mostra del Novecento Italiano seront documentées; la grande exposition de la révolution fasciste, organisée à Rome en 1932-1933 à l’occasion du dixième anniversaire de la marche sur Rome; la V Triennale di Milano (qui voyait la con-sacration de la peinture murale comme un art national-populaire visant à raviver une illustre tradition); l’examen de la E42 à Rome.

La peinture murale et la sculpture monumentale, qui étaient les expressions les plus significatives et les plus réussies de cette période avec l’architecture, sont étudiées à l’intérieur des bâtiments publics, tels que les palais de justice, les bureaux de poste, les universités. La prise en compte des réalisations urbaines et architecturales les plus exigeantes nous permet de comprendre ce qui a également été réalisé à Forlì et dans d’autres centres de la Romagne.

L’exposition présente les grands thèmes affrontés au cours des vingt ans par les artistes qui ont adhéré aux directives du régime, participant à des concours et remportant des commandes publiques, et par ceux qui ont traversé ce climat à la recherche d’un nouveau rapport entre les besoins de la contemporanéité et de la tradition , entre l’art et le public.

La présence de peintures, sculptures, fresques de dessins animés, œuvres graphiques, affiches murales, meubles, objets d’ameublement, bijoux, vêtements, entend offrir une vision globale de la relation entre les arts et les expressions du costume et de la vie, comparer différents artistes et matériaux. L’objectif commun était, en effet, de redéfinir tous les aspects de la réalité et de la vie, passant du mythe classique à une mythologie entièrement contemporaine.

La tâche de l’artiste, comme le résume Bontempelli, devient celle «d’inventer des mythes, des fables, des histoires, qui s’éloignent alors de lui au point de perdre tout lien avec sa personne, et ainsi devenir l’héritage commun des hommes et presque des choses. de nature”. À travers les principaux protagonistes (peintres tels que Severini, Casorati, Carrà, De Chirico, Balla, Depero, Oppi, Cagnaccio di San Pietro, Donghi, Dudreville, Doctors, Funi, Sironi, Campigli, Conti, Guidi, Ferrazzi, Prampolini, Sbisà, Soffici , Maccari, Rosai, Guttuso, et des sculpteurs tels que Martini, Andreotti, Biancini, Baroni, Thayaht, Messina, Manzù, Rambelli) mettront en évidence la variété des expériences entre la métaphysique, le réalisme magique et les grandes mythologies du XXe siècle.

Ce dépassement de la peinture de chevalet pour retrouver le rapport entre la peinture et l’architecture signifiait le grand retour au XVe siècle italien considéré comme une source d’inspiration pour les artistes contemporains. Giotto, Masaccio, Mantegna, Piero della Francesca, pour leur réalisme précis, enveloppés dans une atmosphère d’émerveillement lucide, apparaissent particulièrement proches. Regarder le XVe siècle ou l’Antiquité ne signifiait pas rompre les liens avec l’art contemporain européen, certainement pas avec ces artistes qui, comme Picasso et Derain, avaient déjà suivi le même chemin à partir de la deuxième décennie du XXe siècle, passant de la décomposition et l’abstraction cubiste à la recomposition de la figure et un nouveau classicisme dans lequel l’ancienne et la tradition italienne ont été prises pour modèle.

Non seulement la peinture, la sculpture ou l’architecture, mais aussi les œuvres graphiques et les affiches sont devenues partie intégrante de l’image de la ville moderne. Le XXe siècle est passé du grand art aux objets de la vie quotidienne, où l’on pouvait respirer la même atmosphère de retour à la mesure classique, même dans la manipulation de matériaux précieux.

Les magnifiques meubles et autres objets de décoration conçus par Piacentini, Cambellotti, Pagano, Montalcini, Muzio, Gio Ponti et les bijoux réalisés par Alfredo Ravasco en témoignent. Jamais au XXe siècle les événements de la mode ne s’entremêlaient et ne s’identifiaient à ceux de la culture et de la politique, suscitant, entre le rêve parisien et l’autarcie, la perspective de la grande mode italienne.