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Peintre

Marcello Mascherini


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Marcello Mascherini

( Udine 1906 - Padova 1983 )

Peintre

    Marcello Mascherini

    Marcello Mascherini, né à Udine en 1906, passe la majeure partie de son enfance avec sa mère et sa grand-mère, près de Pordenone, car il n’est pas reconnu par son père, qui appartient à une riche famille d’orfèvres et de sculpteurs. Après avoir passé quelques années à Trieste, il s’installe à Isernia, où il fait ses premiers pas dans la sculpture en travaillant dans des ateliers locaux. Après avoir obtenu son diplôme de la Regia Scuola d’Arti applicate all’industria, il retourne à Trieste en 1920.

    Sculpture primitiviste : entre archaïsme et mémoire classique

    Il continue à cultiver sa pratique sculpturale, en effectuant un apprentissage dans l’atelier de Franco Asco (1899-1970), avec lequel il réalise ses premières œuvres dans une collaboration qui se poursuit pendant plusieurs années, par exemple dans l’exécution des bustes de Juristes romains pour le Palazzo di Giustizia de Trieste. En 1924, alors qu’il n’a que dix-huit ans, il fait ses débuts au Circolo Artistico de la ville et, remarqué par l’intellectuel Silvio Benco, il est encouragé à organiser sa première exposition personnelle l’année suivante. Parmi les premières œuvres connues du très jeune Marcello Mascherini figurent les masques en plâtre expressifs et évocateurs qu’il réalise en 1928 pour le théâtre Politeama de Trieste, à la demande de l’architecte Umberto Nordio. Les personnifications de la Tragédie, de la Comédie, de la Musique, du Théâtre, du Chant et de la Danse sont les premières œuvres publiques du sculpteur. À partir des années 30 et de sa rencontre avec Arturo Martini (1889-1947), il commence à travailler à plus grande échelle, développant l’idée de figures à la peau rugueuse et aux visages rappelant la statuaire étrusque, exprimant des vertus archaïques comme le travail, la maternité et la communion avec la nature.

    En 1931, alors qu’il n’a que 25 ans, il est remarqué par l’architecte de Trieste Gustavo Pulitzer Finali, qui a conçu l’intérieur de la motorship Victoria, et qui lui demande de décorer la salle de banquet de première classe avec des sculptures du Roi et du Duce. Ce moment marque le début de ses prestigieuses collaborations avec des artistes et des architectes tels que Libero Andreotti et Gio Ponti et lui ouvre en fait la voie à la décoration de navires et de paquebots transatlantiques, qui durera jusque dans les années 1960. La même année, il participe à la I Quadriennale de Rome avec un Portrait en bronze et est associé par différents architectes à la réalisation de plusieurs œuvres pour des bateaux de croisière et des transatlantiques.

    À partir de 1934, et pendant encore onze éditions, il est également présenté à la Biennale de Venise, obtenant un succès toujours plus grand grâce à une sculpture initialement liée aux modes d’Asco et ensuite de plus en plus orientée vers un primitivisme tragique et expressif. Mascherini obtient des prix et des reconnaissances à la Quadriennale de Rome et à la Biennale de Venise, avec des œuvres suggestives comme le groupe des Petits Bronzes animés et primitivistes exposés à la Biennale de 1934, ou comme Eve et Susanna présenté à la Quadriennale de 1939. Le succès du sculpteur n’est pas seulement en Italie, mais aussi dans les expositions étrangères organisées par la Biennale, par exemple, en 1936, il reçoit le diplôme d’honneur à l’Exposition d’art italien contemporain de Budapest.

    Au fil des années, les figures filiformes et allongées sont de plus en plus remplacées par des volumes pleins et arrondis qui s’insèrent dans l’espace avec une conscience et un dynamisme accrus, toujours de nature archaïque, comme en témoignent les sculptures féminines Vénus Marina, Femme au fleuve, Europe et Nu, toutes présentées à la Quadriennale de Rome en 1943.

    Les années 1950, 1960 et 1970 sont principalement marquées par les contributions artistiques que le sculpteur apporte au monde du théâtre et de la scénographie. En 1953, il fait un voyage fondamental à Paris, où il voit l’atelier de Constantin Brancusi (1876-1957), dont il absorbe le linéarisme synthétique. La période d’après-guerre est marquée par l’abandon des formes arrondies et le passage à un primitivisme expressif et anguleux, dans lequel des hanches et des bustes larges et des jambes filiformes apparaissent dans des sculptures telles que la Néréide de 1952, le Cantico dei Cantici de 1956 et le projet dramatique du Monument d’Aushwitz de 1958 pour la Risiera di San Sabba.

    La production de sculptures et de bas-reliefs pour les navires et les paquebots transatlantiques

    Pour cette production spécifique, l’artiste s’appuie sur un style à mi-chemin entre la réélaboration de la sculpture du XVe siècle et un langage très personnel, parfois filiforme, parfois plus ample et gracieux, constitué d’une ligne ludique et vitale, qui se fond dans un expressionnisme extrêmement moderne et de prestige international. Les caractéristiques stylistiques anciennes, à mi-chemin entre le goût géométrique de la sculpture grecque archaïque et le goût plus doux du langage classique, conduisent à la production de figures à la saveur archaïque, rappelant les statuettes votives ou apotropaïques. Citons par exemple les sculptures ou bas-reliefs réalisés pour les navires Calitea, Saturnia, Roma, Italia, souvent ornés de personnages issus des poèmes homériques et de la mythologie grecque en général.

    Le Saint George, créé pour le paquebot du même nom, qui a été lancé en mars 1956 par le chantier naval San Marco de Trieste, diffère de ses prédécesseurs. La sculpture en bronze dédiée au saint se dressait contre le mur de l’atrium de première classe du navire, créant un curieux contraste avec la linéarité architecturale des chambres et du mobilier, conçus par son ami Pulitzer Finali. Saint Georges, avec ses lignes verticales et tranchantes, incarne parfaitement les valeurs du martyr paléochrétien, dans le respect de l’iconographie médiévale et pro-Renaissance, qui le voit enveloppé d’une armure et serrant l’épée (ou la lance) utilisée pour tuer le dragon. L’essentialité subtile des lignes de l’armure donne à la sculpture un goût extrêmement vif et lui confère en même temps une rigidité délibérée, qui se libère dans une position chiastique qui est tout sauf classiciste, voire profondément gothique.

    Sur toute la longueur du corps, le rythme du contrepoint domine, dans lequel les angles de l’armure donnent du mouvement et rendent le sujet unique. Bien que le visage du saint et sa posture presque hiératique rappellent des souvenirs archaïques ou médiévaux, il est impossible de ne pas reconnaître des points de contact avec le Saint Georges en marbre de Donatello pour l’église d’Orsanmichele à Florence en 1416. Le front statique et la gravité sereine du sourire donnent une détermination physique et morale à la statue, qui se distingue de celle de Donatello par l’absence du bouclier et par des lignes nettement plus brisées. Enfin, il faut mentionner Ulysse et les Sirènes, réalisé deux ans plus tôt pour le navire Homeric, une statue qui a la même fantaisie inventive que le Saint Georges et qui respecte le langage adopté par Mascherini dans les années 1950 : ses figures s’allongent, s’amincissent et sont remplies d’un tempérament tantôt festif, tantôt dramatique.

    Dans les dernières années de sa vie, le plasticisme de Marcello Mascherini revient à cette pulsation primitive et mythique, mais imprégnée d’éléments internationaux, dans laquelle les sculptures se retrouvent presque comme des installations en bronze, vivantes et animées par l’espace environnant. Actif jusqu’à la fin, le sculpteur meurt à Padoue en 1983 à l’âge de soixante-dix-sept ans.

    Elena Lago

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