Leonardo Bistolfi

Leonardo Bistolfi a montré une forte propension au dessin et à la sculpture dès son plus jeune âge. Son origine est significative d’une famille de sculpteurs qui lui permit, en 1875, de déménager de Casale Monferrato à Milan pour fréquenter l’Académie de Brera puis à Turin à l’Académie Albertina, où il suivit les cours d’Odoardo Tabacchi.

Il part du réalisme, imprégné de suggestions échevelées qui viennent de l’observation de Giuseppe Grandi et Tranquillo Cremona, mais le filtre de la question sociale est aussi très fort, traité par Bistolfi au sein du socialisme, qu’il aborde grâce à Giuseppe Pellizza da Volpedo. Ce n’est pas par hasard, en effet, que ses premières œuvres contiennent de fortes références à la question ouvrière, comme Arduo lavoro, présenté à Turin en 1882, Le lavandaie e Pei campi, exposé en 1884 et Boaro l’année suivante.

Ces œuvres sont encore profondément liées au réalisme typiquement du XIXe siècle, mais Bistolfi commence à travailler, dans son atelier Vanchiglia à Turin, sur des sculptures caractérisées par une certaine veine symbolique et aussi sur des paysages d’inspiration fontanésienne.

Dans les années 1980, le symbolisme a fait son chemin à travers ses œuvres. Principalement engagé dans des œuvres funéraires dramatiques et sinueuses, il est surnommé «sculpteur de la douleur et de la mort». Bistolfi devient ainsi l’un des principaux représentants du symbolisme de la liberté de la fin du siècle, à travers un trait souple et un message d’allégorie décadente qui inspire la prochaine génération d’artistes.

Comme mentionné, cette veine symbolique se retrouve d’abord dans les œuvres funéraires, comme L’Ange de la mort, créé pour la tombe de la famille Braida à Turin.

Mais le véritable tournant intervient en 1889, lorsqu’il crée le monument funéraire Le Sphinx pour la famille Pansa, une sculpture pleine d’accents des sécessions nordiques, aux lignes sinueuses et dures à la fois. Le Sphinx, énigmatique dans son silence, hiératique et fermé dans sa signification mystique, représente le passage définitif de Bistolfi au symbolisme.

La Bellezza della Morte apparaît à la Biennale de Venise en 1895, bas-relief plein de tension spirituelle, où le décorativisme des lignes se confond avec le fond évidé dans lequel gît le défunt, accueilli par une belle mort florale. Death and Life, Pain Comforted by Memories, The Holocaust et The Brides of Death, sont d’autres œuvres funéraires avec une signification allégorique intense et un trait sécessionniste puissant, qui revient également dans le bas-relief Les épouses de la mort.

La sculpture, créée pour la chapelle funéraire des Vochieri à Frascarolo Nomellina et exposée au Festival de l’art et des fleurs de Florence en 1896, se développe verticalement, à l’aide d’une sorte de stiacciato donatellien, appliqué à des figures allongées et élancées, presque aspirées par le pouvoir de la mort qui les attire à elle-même dans une sorte de danse macabre.

Une salle personnelle lui est dédiée à la Biennale de 1905, dans laquelle apparaissent, entre autres œuvres, Il funérailles, Fiamma, Resurrezione, La Vita, Mater Dolorosa, La Croix et Les voix de la tombe. Le Sacrifice est déplacé à la Biennale de 1912, Le lit de roses à l’exposition de la Sécession romaine de 1913.

Il a continué à se consacrer à la sculpture sépulcrale pendant de nombreuses années, exposant intensément jusqu’en 1929, date à laquelle il envoya la tête de Garibaldi à l’exposition du Syndicat fasciste de Turin. Il mourut à La Loggia en 1933.