Giorgio De Chirico

Giorgio de Chirico est né à Volos, en Grèce, en 1888. Son père, Evaristo, est ingénieur ferroviaire et participe à la construction d’une ligne de chemin de fer en Thessalie. Ses premières années d’études se déroulent sur le sol grec, en prenant des leçons privées auprès de maîtres locaux et en suivant les cours de l’École polytechnique d’Athènes. À la mort de son père, alors qu’il a seize ans, il quitte la Grèce avec sa mère et son frère. Après quelques séjours en Italie, ils décident de s’installer à Munich. Là, le jeune artiste peut suivre les cours de l’Académie des beaux-arts et son frère, connu sous le nom d’Alberto Savinio, peut étudier la musique.

La période romantique et “L’éternel retour du temps”

Pendant les années allemandes, il fait connaissance avec la poétique du peintre romantique Arnold Böcklin et est fasciné par lui. Ses premières peintures dechironniennes, telles que La lutte des centaures ou Triton et la sirène, sont très influencées par l’atmosphère romantique et symboliste du peintre suisse. Dans cette période de jeunesse, il commence également à lire les textes philosophiques de Friedrich Nietzsche et de Schopenhauer, qu’il étudiera en profondeur à la bibliothèque de Florence à partir de 1910, où il s’installe pour quelques mois.

La pensée de Nietzsche est fondamentale pour comprendre la poétique de de Chirico, surtout en ce qui concerne la théorie de l’éternel retour du temps. Nietzsche affirme que le passé, le présent et le futur ne font qu’un. Il parle d’un temps cyclique dans lequel tout revient et s’enchaîne dans une série de renvois infinis. C’est pourquoi les atmosphères sont suspendues dans les œuvres du peintre comme symbole d’un mélange de présent, de passé et de futur visionnaire : de Chirico raconte son histoire mais aussi le monde intemporel du mythe. Pour souligner sa dévotion au philosophe allemand, l’artiste réalise en 1911 un autoportrait dans lequel il se représente dans la même pose qu’une célèbre photographie de Nietzsche.

La naissance de la métaphysique

La première suggestion métaphysique est née dans la ville toscane, en effet l’artiste raconte avoir eu une révélation oraculaire alors qu’il était assis sur un banc de la Piazza Santa Croce. C’est à partir de cet événement qu’est né le tableau Enigme d’un après-midi d’automne, dans lequel la réalité, la mémoire de l’ancien et les suggestions futures se confondent, montrant au peintre une autre réalité, la métaphysique, ce qui est au-delà des choses physiques.

En 1911, il rejoint son frère à Paris et se lie d’amitié avec des artistes comme Apollinaire et Picasso. Ces années voient la naissance de la figure du mannequin, une entité très semblable à un être humain, mais sans visage ni bras. Souvent, ses personnages sont dotés d’un dessin sur le visage qui rappelle le “troisième œil” des prophètes ou des devins, ceux qui sont capables de lire l’oracle, comme dans l’œuvre Le Vaticinateur.

Le mannequin devient ainsi l’alter ego du peintre, car il est doté de capacités divinatoires et visionnaires, capable de percevoir une autre réalité. C’est également à cette époque que sont créées les premières Piazzas italiennes, des œuvres riches en références et en souvenirs italiens : des lieux presque inhabités entourés d’arcades Renaissance, de fontaines, de monuments et de statues de Cavour ou de Victor-Emmanuel II.

La période ferraraise

Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, il décide de rentrer en Italie et s’engage dans l’armée. Il est envoyé à Ferrare et c’est là, pendant les quelques mois qu’il passe à l’hôpital de la ville émilienne, qu’il rencontre Carlo Carrà, qui s’approprie en partie l’art métaphysique de de Chirico, mais qui a le mérite de le diffuser dans toute l’Italie.

Tout au long des années 1910, il continue à créer des sujets métaphysiques tels que des mannequins, des muses, des piazzas italiennes et des intérieurs métaphysiques. Ces derniers sont le reflet des boutiques du ghetto de Ferrare, des lieux remplis d’objets et surtout de bonbons aux formes métaphysiques. En effet, Ferrare est décrite par le peintre comme l’une des villes les plus métaphysiques jamais vues.

Le retour à l’ordre dechirien

Au tournant de la décennie, il y a un changement dans son langage artistique. À la fin de la guerre, il s’installe à Rome et, au contact de Mario Broglio, il devient le porte-parole d’un retour à l’ordre théorisé dans les pages de la revue “Valori Plastici”. De Chirico prône un retour à l’artisanat et étudie avec dévotion l’art du XVe siècle.

En 1922, il participe à l’exposition florentine de printemps en exposant des œuvres de la première période métaphysique, ainsi que des œuvres reflétant les nouvelles recherches du vingtième siècle. Des œuvres comme L’enigma dell’ora (L’énigme de l’heure), Interno metafisico (Intérieur métaphysique), I pesci sacri (Poissons sacrés), Il trovatore (Le trouveur), Ettore e Andromaca (Hector et Andromaque) appartiennent au premier style poétique ; l’expérimentation artistique plus récente comprend La statua che si è mossa (La statue qui a bougé), La partenza degli Argonauti (Le départ des Argonautes) et Paesaggio romano (Paysage romain). Même dans sa version du “retour à l’ordre”, de Chirico n’abandonne jamais la mythologie grecque, il l’interprète seulement dans une tonalité différente, avec des références claires à l’art de Giotto, Signorelli et Piero della Francesca. Dans certains tableaux de ces années, l’artiste revient également à des réflexions sur l’art romantique, comme dans l’œuvre Villa Romana de 1922.

En 1924, il participe à la première Biennale de Venise avec I duelli a morte et L’ottombrata, qui révèlent des références claires à l’art de Giotto, en particulier dans la recherche architecturale.

La parenthèse surréaliste

La même année, il est de retour à Paris et se rapproche du groupe surréaliste qui voit en lui un brillant précurseur de sa poétique. Il apparaît d’ailleurs sur la photo du premier numéro de “La Révolution Surréaliste” et évoluera dans les rangs du mouvement jusqu’en 1926. Ces années voient également naître les sujets des archéologues, des chevaux au bord de la mer et des meubles dans la vallée. Les surréalistes doivent beaucoup à la métaphysique dechirienne, au sentiment d’énigme, de mystère et d’éloignement que l’on ressent face aux œuvres de l’artiste grec.

Magritte lui-même a été bouleversé par une œuvre comme le Chant d’amour. De Chirico, cependant, avait alors changé de voie et, après ce bref intermède surréaliste et une grande querelle avec André Breton, il retourna dans son atelier du “Musée” et continua à expérimenter toutes les techniques picturales des grands maîtres du passé. En 1929, il publie son livre Hebdomeros, dans lequel nombre de ses suggestions métaphysiques prennent vie. Au cours de sa longue carrière, l’artiste a également beaucoup travaillé pour le théâtre : en 1930, il réalise les costumes et les décors des Ballets russes de Diaghilev, en 1933, il travaille sur les décors et les costumes de I Puritani mis en scène à l’occasion du I Maggio Musicale Fiorentino au théâtre municipal de Florence ; il crée également les décors et les costumes de Don Quichotte en 1952 et, en 1964, il exécute cinq décors pour l’Otello de Rossini.

Du dernier Renoir à Rubens : un peintre néobaroque

Dans les années 1930, il concentre ses recherches artistiques sur les lignes floues du dernier Renoir, lorsque le peintre français change de direction, s’éloignant de l’impressionnisme et se tournant vers l’art de Raphaël. Au cours de ces années, De Chirico réalise de nombreux nus de baigneuses au bord de la mer ou des natures mortes qu’il préfère appeler Vies silencieuses.

De 1936 à 1938, il part pour New York, où il connaît un grand succès, mais à son retour à Rome, des nuages gris de haine et de guerre entourent l’Europe. Isabella est d’origine juive et, avec la promulgation des lois raciales, elle se réfugie à Paris. Peu après, la ville française est envahie par l’armée nazie. Ils retournent donc en Italie, se cachant chez des amis entre Milan et Florence.

En 1944, ils reviennent à Rome et y restent jusqu’à la fin de leur vie, d’abord dans un appartement de la Via Gregoriana, puis dans la Via Mario de’ Fiori et, à partir de 1948, dans un palazzetto du XVIIe siècle sur la Piazza di Spagna. Dans les années 1940, dans la ville du baroque, l’artiste consacre son atelier aux artistes du XVIIe siècle, en particulier à Rubens, au point d’être qualifié de peintre néobaroque, utilisant un coup de pinceau moelleux animé par le goût théâtral des peintres du XVIIe siècle.

Le théâtre est également présent dans ses peintures et il a réalisé de nombreux autoportraits en costume, tels que l’Autoportrait dans le parc en costume du XVIIe siècle, l’Autoportrait en costume de torero ou l’Autoportrait en costume noir.

La question des faux et l’aversion des critiques

Au cours de ces années, un problème se pose, qui préoccupera le peintre toute sa vie : la question des faux vendus ou exposés en abondance lors de manifestations officielles. L’un des épisodes les plus marquants pour l’artiste lui-même fut la Biennale de Venise de 1948, au cours de laquelle fut exposé un faux non reconnu par Roberto Longhi. Lors de cette manifestation, de Chirico est doublement déçu car le prix de la peinture métaphysique est attribué à Morandi et non à lui, le véritable créateur. De plus, sa période “baroque” n’est pas très appréciée par la critique, pour beaucoup de Chirico meurt en 1919 comme l’a affirmé André Breton.

Cependant, il continue à participer à diverses expositions, entre appréciation et critique, comme la deuxième Quadriennale de Rome où il présente quarante-cinq œuvres, dont Nature morte au melon et au raisin, Les Dioscures avec ruines et architecture, Portrait d’une dame en rose et noir, Baigneuses sur une plage, Le port de Gênes, Chevaux dans un paysage grec, Le cygne mystérieux, Achille au bord de la mer, Chevaux au bord de la mer. Certains de ses chefs-d’œuvre métaphysiques, tels que Il trovatore, Interno metafisico con piccola Officina, Ettore e Andromaca, Le maschere, Le muse Inquietanti et Natura morta dal dolce siciliano, ont été exposés à la Galleria Il Milione en 1939.

Nouvelles expériences métaphysiques : la décennie de la néométaphysique

De la fin des années 1960 à l’année de sa mort, le peintre revient aux thèmes métaphysiques, reproduisant des sujets de jeunesse mais créant aussi des nouveautés iconographiques. La critique y voit une copie servile de la première grande période de l’artiste, mais il y a des changements substantiels.

D’un point de vue chromatique, le peintre passe des tons sombres de l’Art Métaphysique à des tons plus clairs et plus limpides ; et puis il y a des innovations iconographiques comme les ombres délimitées par des points, des signes qui rappellent les volutes du chapiteau ionique, ou de nouveaux personnages comme le Méditant. L’art de ces dernières années sera appelé Néométaphysique.

Le peintre est mort en 1978 à Rome, et sa dépouille repose dans une chapelle de San Francesco a Ripa au Trastevere.

Emanuela Di Vivona